Mathias Kessler, Ilulissat 011Y, Groenland, De la série «Nuits isolées», 2007, Dom Museum Wien, Otto Mauer Contemporary Photo: Mathias Kessler.
Création fragile
Musée Dom (Vienne)
Du 1er octobre 2020 au 28 août 2021
Par LARA PAN, 14 novembre 2020
La conversation suivante a eu lieu à Vienne en Autriche pour Whitehot Magazine …
Lara Pan: Vous faites partie des artistes présentés dans l’exposition Fragile Creation au Dom Museum de Vienne. Quelles sont vos œuvres préférées de certains des autres artistes de l’exposition?
Mathias Kessler: Hé Lara, il y a beaucoup de bonnes œuvres dans la série, donc c’est un choix difficile, juste une. Personnellement, cette exposition s’entremêle tellement avec ma pratique que je la considère comme une œuvre d’art en soi, en particulier la façon dont elle juxtapose une histoire profonde avec des déclarations très contemporaines sur l’écologie et la permanence. Le Kasper David Friedrich dans la salle d’exposition avec Mark Dion’s Game Bird Group (goudron et plumes), l ‘«Éruption du Vésuve» d’Albert Bierstadt (1899), et les cartes postales peintes représentant des incendies de forêt en Australie, de Shonah Trescott, abordent tous des problèmes existentiels et écologiques qui témoignent de la relation complexe de la civilisation avec la nature, en tant que flux éternel entre la création, la dépendance , exploitation et destruction.
Un autre aspect qui me fascine est le contraste entre les fleurs en plastique de Regula Dettwiler, de sa série Die Naturgeschichte der artifiziellen Welt / Florilegium, 2008 et les dessins végétaux traditionnels de Marzellin Stoppel du 19ème siècle, tandis que dans la même pièce est suspendue une magnifique chasuble magnifiquement brodée, une robe liturgique. C’est comme une nature morte portable, elle est richement décorée de fleurs – la nature à porter pour le culte.
L’artiste aussi en salle militante avec le film d’Oliver Ressler «Tout se rassemble pendant que tout s’effondre: COP21», d’une manifestation anti-charbon en Allemagne. Les militants sont vêtus de combinaisons de protection contre les matières dangereuses et de masques (très probablement contre les gaz lacrymogènes et pour empêcher l’identification de la police) contre une magnifique photographie poétique de Nilbar Güres appelée Tête Totem debout.
Albert Bierstadt, Eruption du Vésuve, 1899. OÖ Landes-Kultur GmbH, Photo: OÖ Landes-Kultur GmbH.
Pan: La nature est au cœur d’une grande partie de votre travail, et vous en avez deux dans le Création fragile exposition au Musée Dom. Pouvez-vous nous parler un peu de ces œuvres et de leur intégration dans le contexte plus large de l’exposition?
Kessler: Le monde naturel a été très important pour moi. J’ai grandi dans une station de ski autrichienne, ce qui m’a permis d’assister à la création de cette «étape» où les gens pratiquaient le ski sur une piste de ski damée, le jour et des événements spéciaux la nuit, éclairés par des lumières artificielles. Mon grand-père a participé à son développement, d’un côté il a commencé son studio photo et son laboratoire photo en 1907 et la même année a fondé le Ski Club, développant le tourisme et faisant de la publicité via des cartes postales pour les touristes.
Pour moi, ses cartes postales romantiques en noir et blanc avec des pointes de montagne blanches moelleuses, contre la réalité des années 1970 des remontées mécaniques, des téléphériques, de la location de ski (et plus tard dans les années 90 un bar à ski devant ma maison) m’ont permis de découvrir très tôt la communauté perd sa propre culture, sa langue et son mode de vie aux mains du turbo-capitalisme. Ce qui reste est la restitution de la culture dans un rituel de performance bizarre de «musique traditionnelle» dans des tenues traditionnelles afin que les touristes puissent «expérimenter» l’exotisme des Alpes.
C’était comme assister au sacrifice d’une culture vieille de plus de 500 ans (Die freien Walser), au profit d’un spectacle de très courte durée, pour gagner de l’argent, vite, sans compromis. C’est comme brûler votre maison pour gagner de l’argent supplémentaire sans plan de secours. Maintenant, vous avez tout cet argent mais plus rien.
Je reconnais que lorsque j’ai photographié des icebergs flottants (pour ma série Mise en scène de la nature) avec des lumières de cinéma dans l’Arctique la nuit Je voulais mettre en évidence ce phénomène de la nature comme toile de fond où nous mettons en scène et matérialisons les fantasmes capitalistes d’évasion et de joie.
Le crâne ici parle également de notre capacité à extérioriser des réalités inconfortables que nous ne pouvons pas saisir. Les travaux nécessitent des soins continus, le propriétaire doit aider et maintenir l’état de survie du récif de corail. Le crâne se détériore dans l’eau salée et devient une source de calcium pour les coraux, un processus auquel nous n’assistons généralement pas car il est sous l’eau et se produit sur une longue période. Je pense que mon travail est performatif, le crâne doit être entretenu, et pour l’iceberg, j’ai dû me rendre à Ilulissat au milieu de l’hiver arctique en février 2004 avec des tempêtes hivernales interminables et -40 degrés. Il faisait si froid que la caméra a continué à geler, tout comme le carburant dans le générateur. L’acte d’éclairer un paysage, pour moi, est finalement performatif, alors que très peu de gens en ont été témoins; mes gaffeurs, moi et le capitaine du bateau, je vois les photographies comme un document de cette action performative.
À bien des égards, mon travail reflète l’histoire de l’art et mon intérêt pour l’histoire profonde. Pour le Mise en scène de la nature série, l’image hautement esthétique de l’iceberg existe en conversation directe avec les images de paysages romantiques du XVIIIe siècle, comme le Caspar David Friedrich à côté. Il examine comment la nature est encore un fantasme du 18ème siècle qui semble avoir été brûlé dans notre conscience et est toujours exploitée dans la publicité à des fins touristiques ou économiques, et met en évidence le rôle que l’art a joué dans cette marchandisation de la nature en générant des images de le monde naturel qui est ensuite exploité pour la publicité ou les produits. Au 19e siècle, les dessins d’oiseaux d’Audubon ont créé un engouement pour les plumes qui a presque mis fin à la vie de plusieurs espèces.
Introuvable (le crâne dans l’aquarium) examine comment notre relation à l’expérience de la mort dans la vie moderne a été complètement assainie. Nous ne témoignons plus du processus de la mort, nos proches meurent seuls dans des lits d’hôpitaux. Le memento mori lui-même est une image, pas un événement, j’essaie donc de ramener l’événement de la vie et de la mort dans la galerie.
Pan: Je trouve cette exposition particulièrement pertinente dans le contexte du COVID-19 et de notre moment historique présent, assez unique. Cela semble être un doux rappel de notre fragilité en tant qu’êtres humains et à quel point nous sommes profondément liés à la nature. Que pensez-vous de cette crise dont nous avons collectivement tenu compte?
Kessler: croyez que cette crise est un véritable rappel de la façon dont nos corps humains sont empêtrés dans la nature, comment nous, en tant qu’humains, ne pouvons pas échapper au monde naturel. Et je suis d’accord avec vous, c’est un rappel «doux», nous devons nous préparer à des problèmes plus importants, ceux qui ne seront pas résolus sous le capitalisme. Notre absence de convention collective mondiale et d’action garantit notre échec. Non seulement une catastrophe climatique se produit, mais nous avons également des quantités massives d’espèces qui meurent qui sont nécessaires pour un équilibre dans le monde naturel. Si nous perdons la même biomasse d’insectes au cours des 20 prochaines années que depuis les années 60, nous pouvons commencer à réfléchir à des moyens de polliniser les plantes à la main, ce qui est possible, mais vous voyez dans quelle mesure cela va perturber nos vies.
En attendant, nous nous concentrons toujours sur les traitements homéopathiques, comme les voitures électriques et les atterrissages sur la lune … ce ne sont pas les solutions qui nous aideront à sortir de cette crise.
Il y a dix ans, j’ai commencé à utiliser des institutions pour organiser des événements dans le cadre conceptuel de la localité extrême, en générant un appel ouvert et en amenant des gens dans le musée pour créer des groupes de réflexion qui permettraient une implication directe de la communauté dans la résolution des problèmes écopolitiques. Je l’ai fait à Boulder au Musée contemporain et à la Kuenstlerhaus Bregenz et invité à un appel ouvert.
Mathias Kessler, Nowhere to Be Found, 2010, Galerie Heike Strelow, Francfort-sur-le-Main, avec l’aimable autorisation de la Galerie Heike Strelow et de l’artiste, photo: Mathias Kessler.
Pan: Vous êtes autrichien, mais vous travaillez et vivez à New York depuis longtemps maintenant. Quelle est la prochaine exposition que vous avez prévue aux États-Unis? Et si vous deviez choisir votre endroit préféré aux États-Unis, quel serait-il et pourquoi?
Kessler: Oui, depuis le milieu des années 90, je suis à New York, et au cours de la dernière décennie, j’ai eu plusieurs expositions en dehors de New York, comme le Spencer Museum of Art à Lawrence Kansas, qui est un musée universitaire avec une programmation incroyable. J’ai appris en faisant des projets à Grand Rapids Michigan ou Columbia Ohio et Boulder / Denver Colorado, que ceux qui semblent loin des institutions développent parfois un programme plus radical parce qu’ils existent en dehors des «villes d’art» et ne sont pas directement contrôlés par leurs marchés . Ils ne répondent pas trop au marché de l’art, ils sont donc beaucoup plus indépendants dans leur décision, c’est ainsi que j’ai vécu les choses. Pour moi, l’ouest est également très intriguant, c’est un excellent mélange de gens de la côte et d’anciens personnages du Far West américain, et bien sûr, la nature est grande ouverte.
Pan: Et enfin, parlez-moi de ce sur quoi vous travaillez maintenant. Qu’est-ce qui vous attend?
Kessler: J’ai travaillé en grande partie sur de nouvelles façons d’imprimer et de dessiner à partir de mes performances. J’ai compris qu’avec un cutter laser, vous pouvez graver des images sur du papier graphique standard. Au cours des années 2000 avec la prise de conscience des bouchons fondants, j’ai commencé à chercher de nouveaux moyens de production qui reflètent toujours dans mon travail (ex. Mise en scène de la nature; éclairer le paysage la nuit). Dans cet esprit, j’ai commencé à développer une nouvelle méthode d’impression, j’ai piraté le logiciel de la découpeuse laser et lui ai demandé de graver de petits points et avec cela, j’ai créé une image «bitmap» semblable à une impression de journal.
Cette nouvelle méthode de production d’images vise à réfléchir sur la manière dont les nouvelles technologies façonnent notre compréhension du monde. Le processus d’impression Gutenberg a créé un moyen de distribution facile et avec lui un changement majeur dans l’histoire, tout comme Internet et les médias sociaux d’aujourd’hui. Ce travail traite donc du sujet lui-même (graver une image dans un papier) mais aussi de la distribution et de la manière dont les informations circulent. Au cours du processus, j’ai commencé à réaliser que les émeutes et le soulèvement étaient des thèmes appropriés, alors maintenant c’est double, la crise environnementale et les images du soulèvement. À l’instar du cycle de journaux d’Andy Warhol, j’essaie de trouver des images emblématiques qui se connectent à notre culture pop occidentale.
Le titre que j’ai emprunté à Goya, Après Goya, Désastre des guerres. J’aime le fait que ce travail ait été imprimé et distribué et a donc changé la vision des gens sur la guerre. WM
